Lorsqu'on écoute Korakrit Arunanondchai parler de sa vision, on a l'impression que l'univers s'exprime à travers lui. Les récits qu'il fait cherchent à exprimer l'inexprimable, à imaginer l'inimaginable et à comprendre ce qui n'existe peut-être même pas – le tout caractérisé par une perception aiguë des liens naturels, culturels et spirituels qui l'entourent. Dans une conversation avec THE SKATEROOM, Korakrit revient sur certaines de ces histoires et dévoile les réflexions qui sous-tendent quelques-uns de ses concepts les plus novateurs. Poursuivez votre lecture pour en savoir plus sur cet artiste captivant et célébrer le lancement de notre collection en édition limitée, en partenariat avec la galerie Kukje et au profit de la Fondation Sati.

Comment votre histoire a-t-elle commencé ?

J'ai grandi à Bangkok, en Thaïlande. Dès la maternelle, je lisais et dessinais beaucoup de mangas. Créer mes propres versions m'a donné envie de raconter des histoires. Au lycée, je me suis aussi mise à la musique, ce qui a beaucoup influencé mon choix de carrière. J'ai fait des études de gravure et de peinture aux États-Unis. Puis, juste après, je suis partie vivre à New York, il y a presque 15 ans maintenant.

Vous voyagez beaucoup. Dans quelle mesure les lieux où vous vivez et que vous visitez influencent-ils votre travail ?

Je crois que, de mes années d'université jusqu'au début de la trentaine, l'influence culturelle la plus marquante de ma vie a été l'art contemporain lui-même. Il constitue un ensemble complexe d'idées et de propositions qui puise dans de nombreux champs de connaissances. À 17 ans, lors d'une visite chez mon frère aîné à Londres, j'ai découvert l'installation « Weather Project » d'Olafur Eliasson. C'était probablement la première œuvre d'art contemporain que je voyais de toute ma vie, et cette expérience m'a profondément marquée. J'ai évoqué le manga plus tôt pour illustrer mon désir de raconter des histoires et de construire des univers à travers des personnages et des images. Devenir artiste m'a permis de concrétiser ces idées, ce qui m'a beaucoup fasciné. La gravure, pour moi, s'articule autour de la production, de la reproduction et de la diffusion d'images, ce qui m'a aussi aidé à réfléchir à la manière de décomposer la connaissance d'une chose en différents niveaux d'expérience. Le médium auquel je reviens sans cesse est la vidéo. La vidéo est similaire à la gravure en ce sens qu'elle invite à une réflexion plus structurée, par stratification. Toutes ces manières de structurer la pensée et les idées pour raconter des histoires sont probablement le fruit de mes nombreuses expériences de vie, depuis mon enfance jusqu'à aujourd'hui.

Dans vos récits, vous expérimentez beaucoup avec la forme. Mais en ce qui concerne le fond, êtes-vous davantage intéressé par la transmission d'expériences intérieures ou plutôt par la réaction au monde qui vous entoure ?

Je suis très sensible aux influences extérieures. Pour moi, rien ne se crée de l'intérieur. Je réfléchis beaucoup à la métaphore du fantôme, de l'hôte et de la possession. À l'interchangeabilité de ce que peut être ce fantôme et de ce qu'est la possession. Ainsi, ma pratique devient souvent un réceptacle pour les idées à posséder et pour la formation de nouvelles relations. Ces nouvelles relations engendrent des failles, des conflits et de la corruption. Je suis très intéressée par l'idée de corruption par le contact des choses. Il m'arrive souvent de faire des recherches historiques sur des sujets qui relèvent déjà de l'interprétation subjective et de les considérer comme des faits avérés afin de développer davantage mon univers. Les situations déjà opaques permettent également de les enrichir d'une grande part d'imagination et de spéculation.

Y a-t-il eu un moment précis où le fantôme d'une idée vous a complètement possédé et a refusé de vous lâcher ?

Ce sentiment m'est très familier, car chaque fois que je me lance dans une nouvelle œuvre, il y a ce moment où elle semble me guider d'elle-même. Je n'ai jamais vraiment réussi à exprimer, même à mes collaborateurs, de quoi parle réellement le projet sur lequel nous travaillons. C'est comme un système de croyances en pleine formation, entre la disparition et la transformation. Il y a toujours un moment dans un projet où je crois pleinement en la proposition qui en découle. Cela arrive souvent. Par exemple, j'ai réalisé il y a quelques années une vidéo intitulée « Avec l'histoire dans une pièce remplie de gens aux noms drôles 4 » . L'élément central du projet était la démence de ma grand-mère. Je la voyais défaire les liens qu'elle avait tissés avec tous ces objets et ces personnes, et les réorganiser. Je percevais vraiment son état comme une métaphore de l'anthropocène et de notre rapport à la nature. Le projet est en quelque sorte devenu une immersion dans cet état, une façon pour moi d'incarner cet état et d'écrire la vidéo à partir de cet état de perte de conscience. Quand j'y pense, il y a un immense vide créatif. Mes propres désirs et mes propres peurs comblent cet espace de création. Et c'est peut-être de cela que je parle quand j'essaie de me rapprocher au plus près de quelque chose qui me semble lointain ou inimaginable. Je crois que cela fait partie intégrante de mon art.

Le thème du feu est omniprésent dans votre œuvre. Que symbolise-t-il pour vous ?

Plus jeune, mon intérêt pour la musique et la musique en direct s'est mué en une réflexion sur la performance, son mode d'expression, et sur les forces qui unissent les gens – pour pleurer, célébrer, prier… Une grande partie de mon travail récent s'est concentrée sur la situation politique actuelle en Thaïlande : qu'est-ce qui pousse les gens à se rassembler et à manifester ? Dans bien des cas, je retrouve l'image d'êtres humains réunis autour d'un feu, aspirant à la sécurité, aspirant au changement par le chant et la danse. Le feu est à la fois réel et imaginaire ; il englobe la lumière. On s'y rassemble pour se sentir en sécurité, s'abriter, mais aussi pour se connecter à une pensée abstraite partagée. Un espace peuplé de dieux et de monstres, mais protégé par le feu lui-même. J'ai toujours été fasciné par l'espace du sol – l'aboutissement de tout, le corps physique, la matière. Et puis le ciel – l'espace de l'abstraction, où le sens peut naître, où l'immatériel se dissipe. Je crois que le feu nous relie aussi à cet espace. Le feu parfait pointe toujours vers le ciel, de la terre jusqu'au ciel – un message adressé à Dieu ou à une puissance supérieure. Il brûle, il transforme la matière. Je travaille beaucoup avec le feu – c'est peut-être un élément auquel je reviens pour exprimer différentes idées. Je l'apprécie autant comme processus que comme sujet.

En revanche, avez-vous un lien particulier avec l'eau ?

Je voudrais dire que je peins avec les deux. Le corps humain est composé en grande partie d'eau, et cela a une influence considérable. Nos mouvements, nos émotions et notre comportement semblent plus proches de l'idée de liquide, d'eau. La peinture est elle aussi majoritairement liquide. Généralement, pour nombre de mes toiles, je commence par un fond en denim délavé. Ce denim délavé porte les traces des motifs laissés par l'écoulement et le contact avec le liquide. Lorsque je mets le feu à même le sol, je le contrôle grâce à l'eau. Ainsi, pour moi, le feu et l'eau ne font qu'un dans mon processus créatif.

Vous avez mentionné être très attiré par la vidéo. Qu'est-ce qui vous y pousse ?

Le temps en tant que médium m'intéresse beaucoup. Je reviens sans cesse aux films, aux vidéos, aux performances et à la musique, car ce sont des médiums qui ne peuvent être pleinement vécus qu'à travers le temps, et le corps humain lui-même est le réceptacle du temps. La relation entre le temps et sa transformation en mémoire est probablement au cœur de mes réflexions. L'expérience et le passage du temps. Comment les souvenirs individuels contribuent-ils à la mémoire collective ? La vidéo et le film occupent une place prépondérante dans ma réflexion, car ce sont des formes immatérielles qui requièrent du temps. Il y a comme un rituel dans l'idée de se réunir au cinéma, ou de visionner ensemble une installation cinématographique.

Avez-vous récemment regardé quelque chose en groupe qui vous a vraiment ému, que ce soit en bien ou en mal ?

J'ai vu Inland Empire [réal. David Lynch] au cinéma il y a quelques semaines. Je l'avais vu pour la première fois il y a longtemps, à la fac, et je n'en avais pas saisi la structure. C'était intense et cela m'avait rendu vulnérable face à la nature fragmentée et fragile de la réalité et de la cognition. Le revoir à l'âge adulte m'a procuré une sensation similaire, mais cette fois, j'ai mieux compris sa construction et c'était vraiment génial. Ça m'a profondément marqué. Le dernier film que j'ai vu, c'était Barbie [réal. Greta Gerwig]. C'est intéressant de constater que le cinéma est comme ça aujourd'hui. L'Amérique, qui peut être considérée comme un projet culturel à part entière, est représentée dans ce film d'une manière fascinante.

Et la musique ? Quel rôle joue-t-elle pour vous ?

C'est un médium qui, sans doute, s'adresse le plus efficacement et le plus directement aux émotions, voire à la mémoire elle-même. Pour moi, l'un des plus grands plaisirs de la création d'images animées réside dans l'utilisation du son. Le son rassemble les gens. L'art contemporain constitue une culture à part entière, avec son propre langage et ses propres modes de compréhension, mais il érige aussi, paradoxalement, une barrière. Le son, ou la musique, possède en revanche un pouvoir de communication qui peut toucher un public plus large et plus diversifié. Il peut, de cette manière, ouvrir des portes.

Quelle est l'inspiration derrière votre collection avec THE SKATEROOM ?

Il existe différentes variantes des éditions que nous réalisons ensemble. Pour l'une d'elles, j'ai repris un extrait d'une vidéo intitulée « Chants pour vivre » , que j'ai créée en collaboration avec Alex Gvojic il y a quelques années. Le texte s'inspire en partie d'un extrait du livre « Le Soleil de la conscience » d'Édouard Glissant : « Au-delà des bouleversements, au-delà des fils du monde moderne qui assaillent l'esprit humain dans cette découverte du disparate, nous trouvons l'autre fondamental qui nourrit la nostalgie de l'unité. » Ainsi, sur le triptyque, on peut lire « nostalgie de l'unité » . C'est un court extrait d'un texte plus long, mais il m'a profondément marqué : l'idée que l'unité soit liée à un désir de revisiter le passé. J'ai réalisé une peinture intégrant ce texte, qui deviendra un triptyque de skateboards. On y voit un soleil doré se levant au-dessus d'une montagne dorée. La peinture est brûlée, révélant une sous-couche de feuille d'aluminium bleue miroir qui reflète la personne regardant la planche. Nous proposons également des planches en édition limitée qui reprendront cette peinture abstraite brûlée.

Pour cette collaboration, vous avez choisi de soutenir la Fondation Sati. Pourquoi cette organisation vous tient-elle particulièrement à cœur ?

Sati est une fondation créée par mon ami Sakson Rouypirom. C'est un projet à impact social qui œuvre auprès des communautés de Bangkok et d'ailleurs. J'ai découvert THE SKATEROOM grâce à Sati, il y a plusieurs années, avant la pandémie. Notre dernier projet commun était un projet artistique et culinaire avec des réfugiés. Il s'inscrivait dans le cadre de Ghost:2565, un festival que j'ai organisé à Bangkok. Grâce à ce projet avec THE SKATEROOM, des skateparks sont construits et des jeunes en difficulté apprennent à faire du skate. Chaque fois que je quitte Bangkok pour me rendre dans d'autres provinces de Thaïlande, je vois toujours des enfants faire du skate quelque part, et c'est assez incroyable. Le côté addictif du skate est une bonne chose : on sort, on bouge, on interagit avec l'architecture et le paysage. Je pense que toute activité qui procure l'euphorie du sport et qui crée sa propre communauté, en nous éloignant d'activités potentiellement néfastes, est bénéfique. Le skate crée un lien profond avec le sol et le ciel. Il repose en grande partie sur les sauts et les figures. On ne voit le dessous de la planche que lorsqu'elle se lève vers le ciel. C'est aussi un sport assez nouveau en Thaïlande, surtout dans les régions non métropolitaines, alors je suis ravi que ces enfants puissent apprendre à faire du skate et tisser des liens entre eux et avec les autres.

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