Qu’il travaille sur des peintures, des sculptures, des livres ou des éditions d’art de skate, un fil conducteur relie toujours ses différents médiums. Dès qu’on pénètre dans l’univers de Jon BURGERMAN, on le reconnaît immédiatement. C’est dans les couleurs, les personnages espiègles et les émotions vulnérables qu’ils expriment souvent. Et aussi, cette impression générale que chaque œuvre a été un véritable plaisir à créer.
Nous discutons des joies et des surprises du processus créatif, ainsi que d'art ambiant, de peinture en aérosol, de Keith Haring et de New York, la ville que Jon a immortalisée avec un appareil photo jetable pour illustrer cet entretien. Laissez-vous inspirer !
Vous êtes considéré comme une figure de proue du mouvement du doodle art. À quel moment avez-vous réalisé que les gribouillages ludiques que vous réalisiez étaient en fait de l'art ?
Je crois que le terme « gribouillage » a commencé à apparaître vers 2000-2001, à l'époque où j'ai obtenu mon diplôme en beaux-arts. Il a toujours été employé sur un ton un peu ironique. Quand on me posait des questions sur mon travail, je répondais avec autodérision : « Oh, ce ne sont que des gribouillages. Inutile de leur trouver une étiquette. »
Pour une raison que j'ignore, ce mot m'est resté. Je l'aimais bien à l'époque, car il ôtait beaucoup de prétention, un travers souvent présent dans le monde de l'art. Il symbolisait une approche ludique de la création. Je ne suis pas sûre de l'avoir jamais vraiment pris au sérieux. Je ne savais tout simplement pas comment décrire autrement le type de travail que je réalisais. À ce moment-là, il me convenait parfaitement.
Et maintenant ?
Pas particulièrement. Je vois beaucoup d'enfants aujourd'hui qui gribouillent, un peu à la Keith Haring. Je ne pense pas que mon travail soit comme ça. Il est très influencé par l'art d'après-guerre. C'est du pop art. Il fait référence à l'animation, au graphisme et aux images que l'on voit dans les médias. C'est lumineux, coloré, ludique et très symbolique. Il y a un langage visuel qui transcende les barrières linguistiques. On y trouve beaucoup de visages très expressifs. Ils peuvent exprimer des émotions de manière très simple et immédiate.
Cette dimension émotionnelle est primordiale dans votre travail, qu'il s'agisse de sensibilisation à la santé mentale ou de valorisation de l'image corporelle. Quelle part de ce travail est personnelle et thérapeutique pour vous ?
Je pense que tout art est une forme de thérapie pour le créateur. On essaie d'exprimer des choses qu'on ne peut exprimer autrement. Que ce soit par la musique, le spectacle vivant, la peinture ou la sculpture.
Comment trouver le juste équilibre entre légèreté, humour et sujets profondément intimes ?
Je ne sais pas si je me soucie vraiment de l'équilibre. J'essaie simplement de créer, et le résultat est ce qu'il est. Certaines œuvres sont plus réussies que d'autres et, en fait, c'est quand je me préoccupe moins du résultat et que je suis plus à l'écoute de mes ressentis pendant le processus qu'elles semblent avoir plus de succès. Ça peut paraître un peu banal, mais on essaie simplement d'être authentique dans ce qu'on crée, et d'une certaine manière, cela crée un lien avec autrui, au lieu de rester une expérience superficielle.
Certains de vos projets s'adressent à un public plus jeune. L'aspect éducatif est-il important pour vous ?
J'ai réalisé des albums illustrés pour enfants et j'ai animé des conférences et des ateliers dans des écoles et des festivals. Je ne cible pas particulièrement un public en particulier avec mon art. Je suis simplement convaincu qu'il est bon d'être créatif. C'est une activité intrinsèquement humaine. Elle ne devrait pas être réservée à ceux qui se disent artistes.
Dans mon travail, je m'efforce toujours d'inciter chacun à s'exprimer à l'aide de matériaux simples. Je m'attache à rendre mon processus créatif transparent. En observant mes œuvres, on peut voir comment elles sont réalisées. Cela démystifie la création. Je ne cherche pas à dissimuler quoi que ce soit, mais au contraire, à tout exposer clairement. Je pense que c'est une philosophie que j'applique à tous mes projets. Mon objectif est de donner envie de créer soi-même.
Tu as une chaîne YouTube d'antan où tu utilisais souvent le slogan : « Créer, c'est génial ». Les vidéos illustrent bien comment le processus créatif peut être tout aussi enrichissant et agréable que le produit final.
Oui, le processus est la partie la plus amusante. Bien sûr, c'est satisfaisant de se dire : « Oh, j'ai fait ça ! » Mais, pour moi, ce n'est pas génial d'avoir passé vingt heures à pleurer, à transpirer et à détester ce que l'on est en train de créer. J'aime avant tout apprécier le processus, me laisser surprendre et être spontanée.
C'est un peu comme jouer un morceau de musique. Le plaisir réside dans la création en temps réel. C'est l'instant précis où je joue des notes ou gratte les cordes qui me procure une réelle satisfaction. Je crois que c'est la même chose avec l'art. Lorsque je trace ces marques, lorsque je superpose une nouvelle couleur à une autre, observer leurs interactions et leurs jeux, c'est absolument passionnant. C'est addictif. J'ai envie de recommencer sans cesse.
Y a-t-il un processus particulier qui vous a surpris ?
Je crois que tout a commencé quand j'ai expérimenté la peinture en aérosol. C'était un matériau nouveau pour moi. Chaque tableau était une petite découverte. On apprend ce qui se passe quand on laisse sécher, ou quand une couleur réagit bizarrement avec une autre… Je dis toujours aux gens : si vous vous sentez bloqués ou que vous vous ennuyez, choisissez un matériau que vous n'avez jamais utilisé. Vous serez alors libre d'expérimenter, car vous n'aurez aucune attente quant à son résultat. Pour moi, c'est ce qui m'a vraiment motivée pendant quelques années passionnantes d'expérimentations.
Votre créativité est votre métier et vous travaillez également sur divers projets commerciaux. Est-il parfois difficile de conserver cette passion et cet enthousiasme purs ?
Pour moi, l'art passe avant tout. C'est là que réside mon ambition. Ensuite, il y a l'aspect commercial, souvent dicté par des choix pratiques. Cela ne veut pas dire que ce n'est pas gratifiant, ni que ce n'est pas exaltant de pouvoir créer et rendre son travail accessible à un public beaucoup plus large. Entrer dans une librairie ou un magasin de disques et apercevoir sa propre œuvre, un petit rectangle, sur les étagères, dans ce contexte, en tant que passionné et collectionneur, c'est vraiment grisant.
Je pense que l'art peut être présent partout. Il n'est pas limité aux galeries. Il peut faire partie intégrante de la vie des gens de multiples façons. On peut se sentir proche d'une couverture de livre, d'une pochette de disque ou même d'une planche à roulettes. L'art s'intègre à notre quotidien.
Je suis curieux de connaître vos influences. Aujourd'hui, beaucoup de gens vous admirent et s'inspirent de votre art. Y a-t-il une personne ou une chose qui vous a particulièrement inspiré ?
Au départ, quand j'étais à l'université, j'étais fascinée par les peintures de Basquiat. J'avais reçu une formation artistique occidentale assez classique, axée sur le même type de peintres. C'était donc très marquant de voir quelqu'un qui travaillait à peine dix ans plus tôt, avec une œuvre si contemporaine, brute et en lien avec ce que je voyais dans la rue. Je pense qu'il est bon de s'intéresser aux grands maîtres, mais l'impact est bien plus fort quand il s'agit d'un artiste contemporain. J'ai eu la chance d'être étudiante au Royaume-Uni au moment où tous ces jeunes artistes britanniques émergeaient et gagnaient en notoriété dans le monde de l'art.
Au fil des années, en vieillissant, j'ai appris à apprécier beaucoup plus l'œuvre de Keith Haring. Pas seulement son esthétique, mais surtout ce qu'il cherchait à accomplir avec sa pratique artistique et sa volonté de la rendre accessible. Des initiatives comme sa boutique éphémère, ses séances de peinture avec des enfants, ses fresques murales, ses collaborations… je trouve ça vraiment formidable.
Pourquoi pensez-vous avoir eu besoin de autant de temps pour apprécier l'œuvre de Keith Haring ?
C'est assez incroyable que son œuvre soit restée aussi populaire tout ce temps, peut-être même plus qu'avant. On la voit partout. Plus jeune, je trouvais ses graphismes d'une simplicité trompeuse. Je ne leur trouvais rien d'exceptionnel et je ne les appréciais pas à leur juste valeur. Depuis, je me suis beaucoup documenté sur lui et je recommande vivement ses journaux intimes. Ils offrent un aperçu fascinant de sa vie. Devenir artiste, vivre de sa passion, les hauts et les bas, les difficultés à se faire une place dans le monde des collectionneurs et des galeries, et tout ce qui touche au business… J'ai trouvé cela passionnant. Je pense que c'était une personne vraiment intéressante.
Keith Haring et Jean-Michel Basquiat étaient tous deux des figures majeures de la scène artistique new-yorkaise. Est-ce cette fascination pour la scène artistique locale qui vous a poussé à vous y installer vous-même ?
Peut-être. Dans mon enfance, l'Amérique incarnait tout ce qui était excitant et enivrant. La culture pop, le cinéma, la musique… Tout semblait plus grand là-bas. Je n'ai jamais mis les pieds aux États-Unis enfant. Quand je suis devenue étudiante et que j'ai eu une petite bourse, la première chose que j'ai faite a été d'acheter un billet pour New York. Je n'avais aucune idée de ce que je faisais ni où j'allais, mais dès que je suis arrivée, je me suis dit : « Waouh, j'adorerais vivre ici un jour ».
L'éclat des États-Unis s'est indéniablement estompé au fil des ans, malheureusement. Désormais, le regard se porte sur l'Est. Les Occidentaux semblent plus enthousiastes face à ce qui se passe en Asie. Mais New York conserve un charme particulier, les gens qu'elle attire et sa diversité culturelle. Je la trouve vraiment stimulante et inspirante. C'est une ville formidable. Faut-il y vivre ? Je ne sais plus. Peut-être y passer un mois ou deux. Et puis repartir avant qu'elle ne vous transforme en une vieille coquille vide.
Avez-vous l'impression d'être une vieille coquille vide et desséchée, maintenant ?
Je fais.
Heureusement, tu es à Berlin en ce moment. Tu as même posté quelques dessins de personnages berlinois. D'où te vient l'inspiration pour tes personnages si particuliers ?
Leur forme a évolué au fil des ans. Elles sont devenues de plus en plus simplifiées. Je me suis demandé ce dont elles avaient réellement besoin. Ont-elles besoin de membres ? Pas vraiment. Ont-elles besoin d'un nez ? Pas particulièrement. Je privilégie l'efficacité maximale à l'effort minimal. Comment exprimer quelque chose le plus simplement possible, tout en obtenant un résultat maximal ? Je pense que cet état d'esprit a contribué à faire évoluer ces personnages vers des formes très distinctives, sur une longue période.
On me demande souvent ce que c'est. Des animaux ? Je n'en sais rien. Je pense qu'ils représentent l'humanité. Ils sont nos doubles. Mais ils peuvent être de genre, d'âge, voire d'espèce indéfinissables. J'aime cette ambiguïté. Beaucoup de gens se sentent proches d'eux, je suppose. C'est très positif.
Le style de dessin a visiblement changé ces dernières années. Avant, les traits étaient très nets, alors que maintenant, ils semblent surtout se résumer à des expressions faciales, floutées dans ce mur de couleur.
Quand j'ai commencé à expérimenter avec la peinture en aérosol, j'ai découvert qu'elle se prêtait à des rendus plus doux, plus diffus et moins graphiques. Ce flou m'a permis d'insuffler aux personnages une profondeur émotionnelle que je n'aurais pas pu atteindre avec de simples contours noirs. Il y a maintenant plus de profondeur picturale. Je les ai tellement simplifiés qu'ils disparaissent presque par endroits. J'aime beaucoup cet effet et je pense qu'il offre une plus grande liberté au spectateur pour s'approprier l'œuvre et y projeter ses propres émotions. Je les appelle mes œuvres ambiantes. Pour reprendre une analogie musicale, mes créations graphiques ressemblent davantage à des chansons pop : deux ou trois minutes, entraînantes, immédiatement compréhensibles. Mais, peut-être en accord avec l'évolution de mes goûts musicaux, ces œuvres-ci sont plus lentes et plus longues.
En effet, ils invitent vraiment le spectateur à découvrir cet univers, ce qui me rappelle un autre slogan de votre chaîne YouTube. Vous vous souvenez de The Burgerverse ?
Je crois que je l'avais déjà dit avant toute cette histoire avec Marvel. Oui, j'ai l'impression que tout mon travail est lié. Parfois, c'est commercial, graphique et audacieux, mais on peut aussi explorer d'autres aspects de cet univers, plus étranges et plus libres. Et je continue d'explorer. Le seul élément constant, c'est moi, n'est-ce pas ? C'est toujours moi qui crée. Mais les matériaux, l'échelle et tout ça peuvent changer. C'est intéressant de voir ce qu'un artiste fait avec différents matériaux. C'est amusant de voir comment il expérimente avec différents éléments, et c'est ce que j'essaie de faire aussi.
En parlant de matériaux différents, est-ce la première fois que vous créez une œuvre d'art à partir de skate ?
J'avais peint une planche de skate pour mon exposition de fin d'études à l'université il y a longtemps. Mais c'est la première fois que je constitue une véritable collection.
Le skateboard a donc été un thème récurrent dans votre vie ?
J'étais enfant dans les années 80, quand le skateboard a déferlé sur le Royaume-Uni. J'avais plusieurs planches à l'époque. C'était, encore une fois, un truc américain, je suppose. Je l'avais vu à la télé. Avec mes potes, on sortait faire du skate et on tombait du trottoir. J'adorais ça, c'est sûr.
Pourriez-vous nous parler un peu de la collection que nous avons créée ensemble ?
Cela illustre deux aspects de ma pratique. L'une d'elles représente un hot-dog. Je l'ai réalisée avec des bâtonnets d'huile et un peu de peinture en aérosol. Pour moi, c'est une façon d'explorer la forme même du jeu de cartes. Il épouse parfaitement la forme du hot-dog. C'est un résultat ludique, amusant et spontané. J'aime beaucoup le résultat.
Pour le triptyque, j'ai voulu changer radicalement d'approche et m'inspirer davantage de la peinture traditionnelle, en l'abordant comme une toile. C'est une œuvre qui invite à la contemplation. Les couleurs et les émotions représentées forment un spectre. L'interprétation est libre.
Maintenant que cette collection est sortie, à quoi pouvons-nous nous attendre de votre part ?
J'ai réalisé des œuvres ici à Berlin qui seront exposées pendant la Berlin Arts Week, qui débute le 11 septembre. Je reviens également tout juste de Taipei où j'ai présenté une exposition personnelle.
J'ai aussi récemment lancé un projet plus commercial en Chine continentale, une variation sur le thème des Jeux olympiques. Il s'agit d'une petite collection de sculptures inspirées de la sculpture grecque classique, représentant des exploits athlétiques. L'idée était de fusionner art et sport. Il existe de nombreuses similitudes entre la créativité, le goût du jeu et la volonté de se surpasser. Le défi et le dévouement inhérents à l'art se retrouvent dans la pratique sportive. J'ai essayé de le retranscrire de manière ludique et conviviale.
