Peter Ibsen est une figure majeure du monde artistique de Copenhague. Galeriste et collectionneur d'art, il défend les jeunes talents internationaux et les œuvres non conventionnelles qui suscitent la réflexion et l'émotion – plus elles sont dérangeantes, mieux c'est.
Sa galerie, Sunday-S, est installée dans un vieil appartement. La lumière naturelle et l'atmosphère chaleureuse qui y règnent contrastent avec la stérilité impersonnelle souvent associée aux espaces d'exposition. En réalité, la pratique de Peter est tout sauf dénuée de vie. Sa démarche est passionnée, engagée et inspirante.
Dans une conversation avec THE SKATEROOM, Peter Ibsen revient sur ses 25 années dans le monde de l'art et les leçons qu'il en a tirées. Nous comparons également la décoration intérieure de son appartement à Copenhague et de sa résidence d'été, découvrons l'histoire mouvementée qui l'unit aux peintures de Gregor Hildebrandt et abordons l'art du skateboard comme nouvelle tendance chez les jeunes collectionneurs.
Qui êtes-vous et que faites-vous ?
Je suis galeriste, marchand d'art et collectionneur. Je collectionne depuis plus de vingt-cinq ans et j'ai également tenu pendant de nombreuses années un blog d'art intitulé Copenhagen Contemporary. Ce blog a rencontré un vif succès et, il y a six ans, j'ai ouvert une galerie nommée Sunday-S. L'espace est un ancien appartement où des artistes ou collectionneurs internationaux peuvent séjourner lors de leur visite. J'y organise des expositions dans deux salles et présente ma collection personnelle de façon tournante dans deux autres. Les visites se font sur rendez-vous.
Avant, j'avais une galerie traditionnelle – néons, murs blancs et sol en béton – mais il manquait quelque chose. Je ne m'y sentais pas à ma place. Parfois, on se lasse de faire les choses comme tout le monde, alors j'ai toujours envie de sortir des sentiers battus. L'été, j'organise des expositions dans la grange de ma maison de vacances, ou des événements éphémères dans des lieux insolites… J'ai toujours envie de présenter mon art dans un cadre différent. C'est pour ça que je cherchais un appartement comme celui-ci.
Qu’est-ce qui fait la différence entre exposer des œuvres d’art dans un espace privé plutôt que dans une galerie traditionnelle ?
Sunday-S est une galerie baignée de lumière naturelle, sans éclairage artificiel. Les œuvres s'y révèlent pleinement, dans un cadre moins froid et impersonnel. Beaucoup appréhendent les galeries, craignant de poser des questions indiscrètes enfermés dans ces espaces. Ici, l'atmosphère est bien plus détendue. C'est comme enfiler un pull confortable. Les visiteurs y restent plus d'une heure, alors que dans l'ancienne galerie, ils ne faisaient qu'une brève visite. C'est une approche de l'art beaucoup plus agréable.
Revenons au début. Comment êtes-vous arrivé dans le monde de l'art ?
Tout cela par pur hasard. Dans la vie, rien n'est jamais prévu. Il y a environ 25 ans, je roulais dans une rue de Copenhague. J'étais encore étudiant et je travaillais comme barman. J'ai aperçu un tableau dans la vitrine d'une galerie et je me suis précipité à l'intérieur, désireux de l'acheter. Il était déjà vendu, je n'ai donc pas pu, mais j'ai eu la chance de rencontrer l'artiste dans son atelier. C'est là que le virus est devenu une passion. J'ai acheté une toile et je payais 1 000 couronnes par mois, faute d'argent. Puis, la fois suivante, je suis tombé amoureux d'un autre tableau et tout s'est enchaîné…
Je n'avais jamais envisagé de devenir galeriste – en fait, je n'avais pas du tout prévu de le devenir. On dit souvent : « Si tu veux gagner de l'argent, n'ouvre pas de galerie », et c'est vrai. Mais on le fait parce qu'on n'a pas le choix. Parce qu'on ne peut pas faire autrement.
Que recherchez-vous chez les artistes et les œuvres d'art que vous sélectionnez ?
Pendant les quinze premières années, je collectionnais surtout des artistes danois. Je n'y connaissais rien, j'achetais au hasard. Puis, j'ai vu une toile de Gregor Hildebrandt… et je ne l'ai vraiment pas aimée. Je me suis dit : « Ce n'est pas de la peinture, c'est ridicule. » J'ai eu beaucoup de mal à l'accepter. J'ai acheté une autre toile à cette exposition : une peinture figurative colorée, le genre de celles que j'achète habituellement. En retournant à la galerie pour la récupérer, j'ai demandé au galeriste : « Et cette toile noire là-bas ? Est-elle disponible ? » Il m'a répondu : « Oui, mais elle ne vous plaît pas. » J'ai insisté : « Il me la faut absolument. » J'ai donc acheté celle d'Hildebrandt. De retour chez moi, je ne supportais plus de voir toutes les autres toiles de ma collection. Je les ai vendues rapidement et j'ai tout recommencé.
Je recherche désormais des œuvres minimalistes, abstraites et monochromes, réalisées non pas avec des matériaux traditionnels, mais plutôt avec une cassette audio, des cendres, de la poussière, des éclats de peinture… Toujours d'artistes émergents et jamais danois. Je privilégie également la diversité des artistes dans ma collection, en conservant un grand nombre d'œuvres de chacun au fil des ans, afin de la soutenir et d'approfondir ma recherche. Voilà mes critères.
Il semble que le fait d'avoir une réaction viscérale, stimulante, voire négative, face à une œuvre d'art soit également important pour vous.
Nous faisons tous la même erreur : nous tombons amoureux des œuvres esthétiquement réussies. Nous rêvons tous d'un beau tableau. C'est comme une glace, c'est délicieux. Mais au bout de quelques mois, on commence à se demander : « Peut-être aurais-je dû choisir celui-ci, dans le coin. Celui qui ne me parlait pas vraiment et que je n'aimais pas tant que ça. »
C'est comme quand je fais une exposition et que je commence avec dix tableaux : je tombe toujours immédiatement sous le charme de neuf d'entre eux. Et puis il y a celui qui détonne, celui que je ne comprends pas vraiment et dont je me dis que personne ne l'aimera… Mais, avec le temps, c'est finalement celui dont je me souviens le plus. Ce sont toujours ceux qu'on ne comprend pas. Ceux qui continuent de vous interpeller ou de vous bouleverser. Ce sont ceux-là que j'aime.
Voilà un conseil plutôt intéressant pour les collectionneurs débutants.
C'est difficile à croire si vous ne l'avez pas essayé vous-même, mais je dis toujours aux gens : il ne faut jamais acheter le premier tableau que vous voyez et que vous aimez vraiment beaucoup.
Vous possédez un appartement à Copenhague ainsi qu'une maison d'été. Quel a été le concept de design de chacun d'eux ?
Ce sont deux univers différents. L'appartement en ville, tout comme la galerie, est très minimaliste et spacieux. J'ai besoin d'un intérieur sobre et épuré, et j'évite de m'encombrer. De plus, je privilégie toujours le vintage. Je fais tout mon possible pour ne rien acheter de neuf.
En revanche, la maison d'été est très sombre et mystérieuse. On y trouve beaucoup de bois, une cheminée, un grand canapé et une télévision (je n'en ai pas à Copenhague, je ne les aime pas, je les trouve laides). Ces deux espaces sont comme le yin et le yang : très différents.
Quel est l'impact de chacun d'eux sur vous ?
L'appartement à Copenhague me déstresse. C'est apaisant d'être entourée de ce vide. La maison d'été, elle, me donne un regain d'énergie créative. C'est étrange, car à chaque fois que j'y vais, je me dis : « Ça y est, je supprime Instagram, je ne l'ouvre plus jamais, je range mon téléphone et je ne le regarde plus. » Mais dix secondes plus tard, je deviens incroyablement créative. Je me mets à discuter avec des artistes, à faire des recherches en ligne, à lire… D'une certaine manière, la maison d'été m'ouvre l'esprit.
Pour quelqu'un dont la vie et le travail sont axés sur l'art et le design, Copenhague doit être une ville extrêmement stimulante. Comment influence-t-elle votre créativité ?
Le contraste entre l'hiver et l'été est saisissant. Ici, il fait si sombre et si pluvieux que l'ambiance est morose. Mais dès avril et mai, tout le monde s'anime. Le soleil et la lumière sont si rares et redonnent de l'énergie à chacun. C'est là qu'on découvre vraiment le charme de Copenhague.
Bien sûr, on trouve aussi beaucoup de design scandinave. Personnellement, je ne collectionne pas le design scandinave ; je collectionne les meubles vintage français ou américains… mais en grandissant à Copenhague, on est constamment entouré de design. Cela nous façonne et influence notre façon de voir les choses.
Avez-vous des pièces de design préférées en ce moment ?
Je suis complètement fan des chaises de Donald Judd. Je les adore, même si elles sont extrêmement inconfortables. Mais comme l'a dit un jour un célèbre designer danois : « Je préfère me faire mal au dos qu'à la vue. » Les chaises et les tables n'ont pas besoin d'être confortables… mais elles devraient au moins être agréables à regarder.
En tant que collectionneur, qu'est-ce qui vous a intéressé dans l'art du skateboard ?
C'est nouveau pour moi de combiner l'art et le skateboard. L'art est créatif, le skateboard est créatif : c'est un mélange parfait. Deux univers qui vont de pair.
Le skateboard est très tendance et s'adresse principalement aux jeunes. Autrefois, les collectionneurs d'art étaient plus âgés ; aujourd'hui, cette tranche d'âge rajeunit. On apprécie l'art et le design, et on y consacre un budget plus important de plus en plus tôt. On peut acheter des estampes en édition limitée sur papier – c'est sympa, mais peut-être un peu banal, car c'est ce que nos parents avaient à la maison. On peut investir dans une grande peinture à l'huile… Ou encore , on peut avoir un skateboard orné d'une peinture. C'est original. Et ce n'est pas juste plat – c'est une sculpture, on peut la toucher .
Y a-t-il des artistes que vous recommanderiez aux collectionneurs en ce moment ?
Je ne collectionne que de très jeunes artistes inconnus ou de très anciens artistes oubliés. Il n'y a pas d'entre-deux, ce serait trop facile. En Allemagne, il y a une très jeune artiste, Laura Killer, qui peint avec le feu. Je l'ai découverte car elle est une élève de Gregor Hildebrandt. Elle fabrique un balai avec des petites allumettes, les enflamme, puis passe le balai sur la toile. Nous organiserons probablement une petite exposition avec elle cette année.
Votre modèle de collection est très inspirant : vous investissez dans des œuvres d'art qui vous procurent un lien personnel et émotionnel, même si leur valeur « sur le papier » n'est pas forcément évidente.
Il ne s'agit pas d'argent et, bien souvent, ce n'est pas non plus ce que l'on voit. C'est ce que l'on ne voit pas. L'idée, le concept, le matériau, le processus… Autant d'éléments qui ne sont pas immédiatement évidents.
Si l'on comprend un tableau au premier coup d'œil, il ne nous reste plus grand-chose à apprendre. Si l'on en retire immédiatement 100 %, que reste-t-il à découvrir ?
